Ofrenda chichimeca

Por: Luz Carolina Jiménez Otero

Estudiante de Comunicación de la Universidad Cuauhtémoc Querétaro

La comunidad de Misión de Chichimecas se ubica geográficamente en San Luis de la Paz, Guanajuato. Está dividida en dos partes por la carretera del libramiento a San Luis de la Paz: la Misión de Abajo, al poniente, y la Misión de Arriba, al oriente.

En la comunidad de la Misión de Chichimecas obedecen a los Santos y la Virgen. El día 3 de mayo celebran a la Santa Cruz, que es muy importante para ellos, ya que tiene que ver con el inicio de las cosechas y la fe en la construcción. Posteriormente, la Misión de Abajo festeja el 8 de diciembre a la Purísima Concepción y un día después a San Juan Diego, donde realizan procesiones y peregrinaciones. Asimismo, para ellos es muy importante la preparación previa del Chimal, que el día 25 de agosto se lleva a San Luis Rey de Francia y el día 12 de diciembre a la Virgen de Guadalupe.

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Las ofrendas se realizan desde hace bastantes años, no se sabe con exactitud, pero se dice que fue después de haber hecho el tratado de paz con San Luis Rey de Francia.

“Es una historia ya muy antigua, ya muy atrás. Ni alcancé a ver. Estaba yo como él. Cuando miraba yo, ya se hacía eso en ‘El Cerrito’”, destacó el señor Jesús Ramírez García.

Aunque todos los Santos son importantes para ellos, son aún más valiosas las imágenes de San Luis Rey de Francia y la Virgen de Guadalupe, pues dedican días para realizarles una ofrenda como agradecimiento por un año más de vida.

Para poder llevar el Chimal a San Luis Rey de Francia es necesario reunirse una semana antes del festejo, esto para buscar el suchil que se utiliza en la ofrenda.  La búsqueda es cerca de la comunidad o en el cerro, ya que su producción se hace en toda la Misión. Cabe mencionar que la hoja del Chimal es conocida como suchil, cucharilla o sotol. Esta hoja nace de una flor que brota del quiote, un tallo grueso y recto que se da el centro del maguey, y la flor crece en la punta.

El señor Alfredo Ruiz menciona que “se esperan que floree (…) y avienta el semillaje (…) si le gusta la tierra pues ahí sale”.

Posteriormente, se reúnen dos días antes de la procesión en la casa de un habitante de la Misión de Abajo (el lugar es conocido como ‘El Cerrito’, ‘Montañita’ o ‘El Depósito’) para quitarles las espinas que porta la hoja y para hacer el armazón del Chimal (arco decorado). Durante los dos días se vela para poder tener listo al medio día la ofrenda que se bajará a la Parroquia de San Luis Rey de Francia, ubicado en San Luis de la Paz.

El día de la ceremonia, que es el 24 de agosto, se reúnen diversas personas para acompañar a los encargados del Chimal. Al llegar, lo primero que se hace es visitar la capilla que se encuentra en la casa del integrante de la comunidad. Dentro de la capilla está el señor Tomás, que durante cinco años ha acompañado a los chichimecas en sus celebraciones. Él hace un ritual haciendo uso del copal y después de unas ramas, las cuales se pasan por todo el cuerpo. Al mismo tiempo se escucha el sonido de la banda, que también participa en la fiesta.

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Alrededor de las 14:00 horas, los dueños de la casa empiezan a servir la comida a todos los invitados. Aproximadamente a las 15:00 horas llegan diferentes danzas que están conformadas por la comunidad y habitantes de San Luis de la Paz; cada una danza al rededor del Chimal, con sus diferentes rituales y música. Para entonces el Chimal está totalmente listo y varios hombres (unos veinte) lo cargan en sus hombros.

Realizan un gran recorrido desde la Misión de Abajo hasta llegar a la Parroquia de San Luis Rey de Francia. Enfrente van los danzantes, en seguida el Chimal, luego las señoras que portan el copal con imágenes grandes de Santos y una estatua de San Luis Rey de Francia; después músicos y habitantes de la comunidad; y finalmente otros músicos de banda.  Al llegar a la parroquia, los mismos habitantes que cargan la ofrenda y colocan el Chimal de forma vertical.

La fiesta y ofrenda que se le dedica a la Virgen de Guadalupe tiene similitud a la de San Luis Rey de Francia. Su realización es en la Misión de Abajo. Igualmente, se va en busca del suchil una semana antes de la ceremonia. Sin embargo, el Chimal se prepara cuatro días antes de hacer la peregrinación, ya que es más grande al de la parroquia. Los chichimecas le dan mayor importancia porque la Virgen es la madre de todos. Como dijo el señor Jesús Ramírez García, ella es “la Reina de toda la Nación”.

Los tres días son de velación, para que el día 11 de diciembre, al medio día, esté listo el Chimal y se haga el recorrido de la Misión de Abajo al Santuario.

La procesión es igual a la del 24 de agosto: se visita la estatua de la Virgen que esta en la Misión, se ofrece comida a los invitados, tocan los músicos y hacen el ritual de los danzantes.

“El Chimal mide aproximadamente cuatro metros de alto y dos de ancho, sin contar las vigas que lo sostienen. Todo va amarrado con mecate. El suchil se teje entre los carrizos”, mencionó  la antropóloga Yolanda Lastra.

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Todos los años hacen diseños diferentes; no obstante, el águila nunca debe faltar. Esta representación del águila se coloca en la punta del Chimal, puesto que tiene un significado muy importante.

El águila hace referencia a una historia. Los chichimecas estaban en busca de agua y el águila fue quien los guio hasta un hoyo donde había. “El águila donde se paró (…) cuando halló el agua el pájaro, los chichimecos fueron a ver el hoyito donde había agua”, destacó el señor Jesús Ramírez García.  Ese lugar es ahora conocido como “El ojo de agua”.

El resto de la decoración es la creación que le dio el chichimeca al diseño. Si llega a fallecer algún representante de los organizadores, se coloca un listón color blanco o negro, dependiendo de la edad de la persona.

Es importante mencionar que los danzantes son parte de la identidad dentro de la cultura, debido a que las danzas representan el pasado guerrero de los chichimecas. Un ejemplo de este tipo de danzas es la que es integrada por dos bandos que combaten, identificados como chichimecas y franceses. Ambos grupos hacen referencia al enfrentamiento que tuvieron los nativos contra los invasores. El bando de los franceses o españoles viste de pantalón, camisa y sombrero (hombres) y la mayoría de las mujeres que participan usan falda (aunque también pueden usar pantalón); mientras que el bando de los chichimecas (tanto hombres como mujeres) usa principalmente un taparrabo de piel o de tela, un penacho de plumas y cascabeles que se colocan en los tobillos para hacerlos sonar al compás de la música.

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En este combate, los franceses usan normalmente el machete y los chichimecas la lanza, el cuchillo, el hacha, entre otros objetos. La música que acompaña a la danza se compone por tamboras, tambores, caracoles que emiten sonido, etc. En los últimos años se ha procurado recuperar la vestimenta tradicional y los instrumentos ancestrales, ya que hace años se hacían emisiones de sonidos diferentes. Cabe mencionar que no es lo único que ha cambiado; los mismos habitantes mencionan que la festividad en general ha evolucionado desde la música, la comida, entre otras cosas.

La música se tocaba con tamboras y violines, pero ahora es remplazado por la banda o grupos musicales. Y en cuanto a la comida, solían preparar la sopa de tallarín, el alverjón, los caldos como el de rata, res, chivo borrego y víbora; ahora ofrecen caldo de pollo, mole, entre otras comidas cocinadas dependiendo el festejo.

Reportaje: Segundo Imperio en México

Las estudiantes de la carrera de Comunicación, Sofía Duque y  Gabriela Stringhini; de la Universidad Cuauhtémoc Querétaro, nos presentan este interesante reportaje sobre el Segundo Imperio en México, con la participación de reconocidos historiadores como  Andrés Garrido del Toral,  Jorge Flores y Fernando Delgado Garfias.

Detrás del lienzo

Por: Samantha Camargo Semadeni

Estudiante de Comunicación. Universidad Cuauhtémoc Querétaro.

Las obras artísticas son parte de nuestra historia como humanidad; sin embargo, aquellas piezas que representan fragmentos y esencia de autores a través del tiempo se deterioran por factores ambientales y por alteraciones del humano, y su belleza puede verse dañada o desgastada. Precisamente por ello es que existe la restauración, que es una profesión pocas veces valorada pero que tiene una gran importancia en el medio artístico e histórico para la conservación y cuidado de las obras de arte. ¿Pero sabe lo que es la restauración artística? ¿Conoce el gran trabajo que implica y lo importante que es que se lleve a cabo y de manera correcta?

La restauración es un proceso que se dedica a detener el deterioro y desgaste de obras de valor histórico o artístico y restaurarlos para tratar de regresar a su estado original para el deleite de futuras generaciones. Según datos recopilados por el restaurador y escritor Agustín Espinosa en su libro Breve historia de la restauración en México, en los antecedentes internacionales destacan los teóricos de los siglos XIX y XX, como Viollet-Le Duc, John Rushin, Camilo Boito, Giovannoni, Cesare Brandi y Paul Philippot, quienes ayudaron a establecer las bases técnicas, teóricas y éticas de la restauración. En México, la formación académica de ella inició hace 50 años.

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Rodrigo Villalobos Ruíz. Restaurador del Museo Casa de la Zacatecana en Querétaro.

Esta disciplina es fundamental para conservar lo que las próximas generaciones van a considerar como histórico y que en los últimos años muchos se han dado cuenta de la importancia de la recuperación de las obras.

“Todos los museos tienen dos elementos muy importantes, sin los cuales no puede existir: el primero es la colección, lo que mostramos al público; y el segundo es el público en sí, nuestros visitantes. Entonces, los restauradores cumplen una función muy importante porque nos ayudan a mantener el primer elemento equilibrado y ya es cuestión del trabajo de los demás en el museo acercar la colección al público para que ya cumpla en redondo el museo su función”, destaca la licenciada Andrea Barrón Vargas, encargada de las exposiciones temporales y de la vinculación con visitas institucionales, y restauradora del Museo Casa de la Zacatecana.

Al ver una obra expuesta en un museo, muchas veces pensamos en el gran trabajo del autor original, y claro que es de reconocerse, pero olvidamos que detrás de esa pieza también está el arduo trabajo de un restaurador, que se ha encargado de mantenerla en condiciones para que nosotros podamos apreciarla.

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Andrea Barrón. Encargada de las exposiciones temporales y de la vinculación con visitas institucionales, y restauradora del Museo Casa de la Zacatecana.

En la restauración se necesita de un fuerte profesionalismo y de objetividad para que las metas sean correctamente alcanzadas; sin embargo, es común que en los proyectos el trabajo se realice por artesanos, químicos o ingenieros, que es difícil que tengan todos los estudios necesarios para respaldar lo que llevan a cabo.

Andrea Barrón puntualiza en la importancia de que el trabajo sea realizado por un restaurador: “Un profesional de la restauración en sí, es alguien que tiene seis años de estudio detrás que combina muchas materias teóricas, de la ética de la restauración, de las ramas de las ciencias; o sea saber de química, saber de física, saber de biología, y también sabe de los aspectos artísticos. Es muy difícil que un profesional que no sea un restaurador tenga todos estos conocimientos y tenga la práctica y la sensibilidad para decidir qué hacer en casos donde hay muchas cosas en juego”.

“…han aparecido artesanos que echan a perder las obras en su intento por restaurar. Nosotros con el enfoque científico, logramos que perduren más tiempo. Un ejemplo claro es El Caballito”, menciona el licenciado Rodrigo Villalobos Ruíz, restaurador egresado de la Universidad Autónoma de San Luis Potosí, actualmente encargado de restaurar las piezas del Museo Casa de la Zacatecana en Querétaro.

El caso de El Caballito de Tolsá es uno de los más polémicos en cuanto a la restauración. Es una escultura de bronce que se inauguró en el año de 1803 en la Plaza Mayor (hoy Plaza de la Constitución, “Zócalo de la Ciudad de México”), cuando el Virrey Miguel de la Grúa Talamanca ordenó esculpir al arquitecto, ingeniero y escultor Manuel Tolsá, una estatua en honor al rey Carlos IV en 1795. Actualmente se encuentra en la Plaza Manuel Tolsá, Centro Histórico de México.

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El Caballito de Tolsá (inah.gob.mx)

Debido a que es una obra emblemática de México, a partir del 2016 se emprendió un proyecto para su restauración por parte de la Secretaría de Cultura, junto con el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) y el Gobierno de la Ciudad de México a través del Fideicomiso del Centro Histórico.

De acuerdo al INAH, el monumento mostraba deterioro y alteración por factores ambientales e intervenciones del pasado, principalmente por el mal tratamiento que se le dio en 2013, en el que ocuparon ácido nítrico y cepillos de acero que dañaron el metal, pues los encargados eran ingenieros y no restauradores. “El problema fue al usar el ácido nítrico. Son cosas que parecen tan simples, ellos lo usaron en una concentración muy alta”, señala Villalobos.

Por lo tanto, se ha buscado remarcar la gran cantidad de conocimientos que se necesitan para poder dedicarse a la restauración, para que la sociedad esté más consciente del trabajo bien realizado por los restauradores. Esto mismo fue confirmado por el licenciado Villalobos, quien dice: “…a parte de la historia del arte, es la química y el conocimiento de los materiales como tal (…) También sobre elaboración de proyectos, técnicas de arte y análisis de las obras”.

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Rodrigo Villalobos Ruíz. Restaurador del Museo Casa de la Zacatecana en Querétaro.

Además, la tecnología desarrollada para otras áreas se ha adaptado a la restauración, por lo que el restaurador debe aprender a utilizar todas esas nuevas herramientas. Por ejemplo, están los rayos X, que antes sólo se utilizaban en la medicina, las cámaras para fotografía infrarroja, las luces ultravioleta, el análisis con microscopio, etc. Esta disciplina se ha profesionalizado mucho con el tiempo.

Podemos ver que es todo un procedimiento de alta complejidad. Todas las piezas pueden ser restauradas, porque se busca que se recupere lo que se tiene en el momento, pero las herramientas que se utilizarán para lograrlo dependerán del grado de daño que haya sufrido la pieza. “Hay algunas piezas que a lo mejor no van a recuperar su estado totalmente original, entonces nosotros conservamos lo que hay”, incluye el licenciado Villalobos. Requiere de un análisis de la obra para identificar orígenes, técnica aplicada, materiales y los factores que la han dañado para encontrar una posible solución de su desgaste; y deben jerarquizarse para determinar las piezas que requieren de intervención más inmediata.

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Radiografía de la pintura Virgen de Guadalupe con las Cuatro Apariciones revela que se trata de un lienzo reutilizado. El rostro que se puede apreciar es el de un ángel que está pintado detrás de la Virgen. (Cortesía del Taller de Restauración del Museo Casa de la Zacatecana)

A pesar de todo el trabajo y el profesionalismo que se necesita para ser un restaurador, la gente no lo valora tanto en el sentido de estar dispuestos a trabajar con un restaurador profesionalmente, sólo desde un aspecto social. Las personas cuando escuchan de la restauración se refieren a ella como algo interesante y “padre”, pero aún no se tiene el reconocimiento suficiente como para entender la trascendencia y el potencial del trabajo.

“A lo que voy es que no mucha gente ve lo que hay detrás del trabajo del restaurador porque tienen una imagen de él, simplemente muy romántica”, afirma el licenciado Álvaro Rivera, egresado de la Universidad Autónoma de San Luis Potosí y restaurador por proyectos en ese mismo estado.

El problema de la restauración en México en parte proviene de la poca valoración profesional. La Ley General de Cultura y Derechos obliga a los usuarios a que ellos se encarguen de su patrimonio. Mientras que un museo privado depende de una asociación para financiar los proyectos y contratar a un restaurador, para las instancias federales quien debe hacerse cargo es la misma comunidad. Por ello es que para las instancias federales y las obras públicas se debe realizar un trabajo social para convencer a las personas de que es necesaria la intervención.

“La misma gente se encarga de su patrimonio porque está en uso, y como están en uso, te ves obligado a generar proyectos interdisciplinarios donde participen instancias federales con particulares, y que todos se involucren para el cuidado del patrimonio”, añade el licenciado Rivera.

Todo esto representa una enorme burocracia, en donde los museos públicos se rigen por el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), quien tiene que gestionar los recursos a través de un organismo mediante la elaboración de un proyecto construido por un restaurador; pero si se trata de una comunidad, ellos son los encargados de contratar al restaurador y presentarlo ante el gobierno para que les den el recurso para financiar el proyecto.

“Toda la propiedad pública está regulada por el INAH. Buscando obviamente lo mejor, y tal vez dentro de esa búsqueda habrá desaciertos, tiene leyes muy estrictas; tiene reglas muy muy sólidas a las que uno tiene que ceñirse como restaurador. Hay una supervisión constante de otra persona y hay ciertos lineamientos de los que no nos podemos salir. En cambio, en un espacio privado el restaurador tiene mucha más libertad de decidir cómo va a hacer sus intervenciones, qué lineamientos va a seguir y también tiene la libertad de saber cuánto le comunica a su público de sus intervenciones (…)”, señala Andrea Barrón.

Por otro lado, el apoyo financiero por parte del gobierno actual va en decadencia. De acuerdo con datos recopilados por Claudia Altamirano en Animal Político, el presupuesto del 2019 que la Secretaría de Hacienda asignó a los trabajadores eventuales del INAH es de 53 millones 31 mil 439 pesos, 10 millones menos que en 2018. Esto forma parte de la política de austeridad gubernamental, en donde se recortaron los recursos destinados al sector cultural.

Además, quienes trabajan en proyectos públicos de restauración muchas veces no son restauradores. “Desgraciadamente, lo que al gobierno le importa son los recursos, y si lo hace un restaurador, ingeniero o diseñador, no le importa”, menciona Villalobos.

No obstante, tanto el licenciado Rodrigo Villalobos como el licenciado Álvaro Rivera coinciden en que México ya se encuentra relativamente avanzado en la restauración respecto a otros países, pues a pesar de que en México su profesionalización lleva apenas 50 o 60 años, nuestro país ya cuenta con una normatividad que permite regular las acciones de los restauradores (INAH), mientras que en otros países no existe ningún tipo de control. “El INAH tiene un peso fuerte porque te ayuda a definir bajo qué metodología restauras alguna pieza conforme a tus necesidades”, comenta Rivera.

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Álvaro Rivera (Izquierda). Restaurador por proyectos en San Luis Potosí.
Rodrigo Villalobos Ruíz (Derecha).

Aún así, México aún se enfrenta a un largo camino por formalizar y reconocer cada vez más a la restauración de nuestro patrimonio. Para Villalobos uno de los principales retos es la sensibilización de la gente en cuanto al trabajo de un restaurador, tanto en campo como en instituciones: “Muchas veces no se sabe cómo se lleva a cabo la restauración (…), entonces se crea la idea de que es rápida cuando en realidad es meticulosa y requiere de mucha paciencia. Sería hacerle entender a la gente lo que es la restauración y qué requiere”.

El licenciado Rivera agrega que ellos se consideran “médicos del arte” y “todólogos”, en donde sus acciones en la pieza son irreversibles, por lo que deben ser totalmente conscientes y representan una gran responsabilidad. Es importante hacerle ver a la gente todo lo que hay detrás del trabajo del restaurador.

“Los restauradores usamos, o en teoría y por eso se recomienda que se acerquen a un restaurador y no a otro profesional, todos nuestros procesos deben ser reversibles. No usamos procesos que sean irreversibles o que le hagan un daño o acción permanente a la pieza”, comenta la licenciada Andrea Barrón.

Finalmente, existen algunas proyecciones para el futuro de la restauración. Rivera enfatiza en el aumento de proyectos más eficientes y prácticos gracias a los avances científicos y tecnológicos. Por su parte, el licenciado Villalobos afirma que la restauración futura se dedicará a atender la obra del siglo XX: “El restaurador que atendía patrimonio prehispánico o virreinal, ahora va a atender el arte contemporáneo”.

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Sala del Museo Casa de la Zacatecana, Querétaro

Calaveras literarias de la FCPyS de la UAQ

En un ejercicio de creatividad e ingenio, estudiantes de la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales (FCPyS) de la Universidad Autónoma de Querétaro (UAQ), compusieron calaveras literarias en el marco del Día de Muertos, que se conmemora en todo el país.

Los estudiantes Citlali Ximena López Carretero y Eddson Geovanny Amador López obtuvieron segundo y tercer lugar, respectivamente, en el Concurso de Calaveras Literarias de la FCPyS de la UAQ.

Aquí les presentamos las más destacadas.

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Calavera a peña

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CATRINA

Joker: la cinta que desafió la manera de contar historias

Por Angélica Nayeli Reséndiz López

“La gente es mala porque gente mala les hizo daño antes”. Fue la frase que vino a mi mente minutos después de comenzar a ver “Joker” (Warner Bros. 2019).

Narrada en los años 80, esta película manifiesta el nepotismo y la indiferencia de la sociedad; es mucho más que la historia de un villano o una película más de la franquicia DC Cómics, es la narración de un personaje trastornado, producto de los abusos que recibe desde pequeño, creando en él conductas retraídas, solitarias y depresivas.

descarga (2)En conjunto con la fotografía, la música y las grandiosas actuaciones, la narración nos lleva de la mano junto con Arthur Fleck, quien transformado y débil, intenta sobrellevar su realidad luchando contra sí mismo, sus emociones y el exterior -que para mí, el “exterior” es la parte más dura- expresando sus más grandes miedos y temores a través de la risa, pero quien nunca ha tenido contacto con la felicidad.

Sin necesidad de utilizar explosiones, efectos especiales, superpoderes u otro elemento irreal, “Joker” muestra la lucha interna y externa que el personaje vive cada momento de sus días para poder ser quién es en verdad.

Es el reflejo de nuestra sociedad y la indiferencia que alimentamos diariamente, una crítica a la estructura social, a los poderes pero sobretodo, es la historia de un personaje real en un mundo real que lo atormenta y le hace preguntarse “¿Por qué hoy en día todos son tan groseros?”.

Esta obra nos hace entender que la suma de acciones positivas o negativas en nuestra vida serán el resultado del mañana, del futuro, y qué podemos encontrar la estabilidad en un sitio caótico.

descarga (1)“Joker”, es una nueva forma de contar la historia de un solo personaje, centrándose en sus procesos, miedos y sentimientos en general.

En la película, como en nuestro mundo, la gente de hoy no escucha y repite una y otra vez las mismas preguntas, sin conocer el trasfondo de las personas que apañan situaciones diferentes a lo diagnosticado.

Mucho se ha hablado de la actuación de Joaquín Phoenix y el dramatismo que maneja para darle vida al “Joker”; es de aplaudir la dedicación, disciplina y profesionalismo que dejó en este filme; cabe mencionar que se sometió a una dieta en la cual perdió más de 24 kilogramos durante su proceso de transformación y a eso hay que sumarle sumamos muchas hora de trabajo para lograr una carcajada hipnótica y espeluznante.

Esta película, con un costo de tan solo 55 millones de dólares (casi la mitad de presupuesto que se utiliza para hacer una película de cómics), es el origen de uno de los villanos más temidos del Universo DC, y que además desafía con todo a los personajes que han despegado en otras cintas, porque el “Joker” cuida sus diálogos, su música,  fotografía,  actuaciones y el trasfondo de la historia que se va a contar.

La cinta fue presentada por primera ocasión en el Festival Internacional de Venecia, y después de ocho minutos de aplausos de todos los espectadores, recibió el León de Oro, máximo reconocimiento que otorga este encuentro cinematográfico.

Es muy mencionado que Phoenix superó de manera extraordinaria las actuaciones de Jack Nicholson y Heat Ledger, por lo que piden el Oscar para este grandioso actor.

La historia rompe con los esquemas y obviedades que nos han presentado -y a las cuales estamos acostumbrados en las películas de cómics- sin embargo, esta obra maestra queda lejos de ser predecible, por su fuerza y originalidad que permiten al espectador sumergirse en la locura de un personaje muy bien trabajado, es ahí donde se encuentra el impacto y la magia del filme: en su narración que nos permite disfrutar por 123 minutos un relato fresco, diferente, vital, humano, perturbador y desmesurado de un personaje digno de tener una película individual para desafiar las producciones cinematográficas cercanas.

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Ilustración: Eduardo Macías Álvarez

FICHA TÉCNICA

Película “Joker”

Warner Bros. 2019

Director: Todd Phillips

Productora DC Films

Estados Unidos

Duración 123 min.

Organiza Maqro Consultores desayuno por el Día del Abogado

Santiago de Querétaro, Querétaro. 17 de julio de 2019 (Maqro Consultores).- Con gran éxito se llevó a cabo el desayuno con motivo del Día del Abogado, organizado por Maqro Consultores, en el restaurante La Mansión.

El director de Maqro Consultores, maestro Abisai Cruz Galeana, anunció la formación de un gremio de abogados, el cual tendrá beneficios en materia de salud, vivineda, financiamientos, capacitación y área de negocios para sus agremiados, al tiempo de exhortar a los abogados asistentes a seguir ejerciendo su profesión con orgullo, transparencia, honorabilidad y en apego a los derechos humanos.

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Por su parte, el coordinador jurídico de Maqro Consultores, maestro Emmanuel del Río Bárcenas, invitó a los asistentes a participar en el taller de Oratoria que se llevará a cabo los días 31 de julio, 1, 2 y 3 de agosto en el área de Negocios del restaurante la Mansión.

El evento contó con la participación del magistrado del Tribunal Unitario Agrario, licenciado Salvador Pérez González; el magistrado supernumerario del Tribunal Superior de Justicia en el Estado, licenciado Carlos Reséndiz Tirado, el director de la Casa de la Cultura Jurídica de la Suprema Corte de Justicia de la Nación, licenciado José de Jesús Luna Gómez así como la encargada de la Delegación del Registro Agrario Nacional, licenciada Andriana Rincón Quintanar.

Al finalizar los asistentes pudieron convivir y dialogar con los invitados especiales.

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¿Qué aportaron los Beatles a la música?

Por Tadeo Marentes Gamez

Participante del taller “Periodismo para no periodistas”

Los Beatles son la banda más conocida de todos los tiempos gracias a sus aportaciones a la música y su relevancia, eso lo que todos sabemos sobre el cuarteto de Liverpool.

Pero la pregunta es ¿Qué fue lo que aportaron?

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En primera, los Beatles, en sus primeras composiciones, utilizaban la fórmula de composición del blues de 1o, 4o y 5o grado, pero en lugar de usar 7 acordes usaban otro tipo de alteraciones como  acordes mayores, menores, y eso causó que se sintieran bastantes frescas sus composiciones.

En el disco “Revolver” (1966) queda claro que fueron de los primeros grupos en tener una incursión completa al rock psicodélico y Acid Rock, el cual ya experimentaban otras bandas como Cream, pero los Beatles  agregaron lo mejor y  plantearon las bases del género. Igual con el Punk y el Heavy Metal, los cuales podría decirse que nacieron en la canción Helter Skelter (1968), que son de los géneros más pesados del rock.

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El Punk se vio muy influenciado también con la canción Revolution la cual tiene una distorsión que no se había escuchado antes, además de un intro poderoso que demuestra la potencia de la guitarra.

También, una de las canciones con toques de blues y un estilo bastante pesado es I Want You (She´s So Heavy)  del disco Abbey Road (1969). Existen otros temas que fueron pioneros en otros géneros, pero estos son las más importantes.

Es importante darnos cuenta que los Beatles no solo fueron una banda famosa de los 60,  sino los precursores de la música que escuchamos actualmente y además muy adelantados a su tiempo.

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¿Cómo podemos conocer más sobre este tema? Escuchando los Beatles, eso nos dará una variedad musical como oyentes y nos  ayudará a desarrollar un oído entrenado, que es una de las cosas más importantes a la hora de aprender música, además de darnos un panorama bastante amplio sobre sonoridades que se complementan con la teoría musical.

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Nuevo portal para la difusión de la ciencia y tecnología de Querétaro

Ecosistema CTI-Qro es una iniciativa del Consejo de Ciencia y Tecnología del Estado de Querétaro (Concyteq) para la difusión de la ciencia, tecnología e innovación que se genera en la entidad.

Querétaro es una de las entidades líderes en generación de conocimiento científico y desarrollo tecnológico; investigación de frontera e innovación por parte de universidades, centros de investigación –públicos y privados–, empresas, clústeres y el propio Concyteq.

De ahí la propuesta de un portal informativo en internet para la cobertura de la agenda científica y tecnológica de Querétaro a través de productos periodísticos (escritos y fotográficos) como notas informativas, entrevistas de perfil y reportajes.

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Diego Alejandro Cruz García, arte en Querétaro

Por Ericka Batalla Gómez

Estudiante de Comunicación

Universidad Cuauhtémoc Querétaro

Santiago de Querétaro, Querétaro. 1 de abril de 2019. (Universidad Cuauhtémoc). Es una concepción común, no sólo en México sino en gran parte del mundo, que aquel que estudia o se dedica a cualquier arte, sea pintura, actuación o música, tendrá dificultades económicas. En los últimos años hemos visto cómo esta idea cambia de a poco, sin embargo, aún tenemos muy presente este fenómeno. Para dar una nueva perspectiva a esta situación, Diego Alejandro Cruz García, artista que ha participado en la decoración de la biblioteca “Manuel Gómez Morín”, nos habló de sus experiencias en el mundo del arte.

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Licenciado en Artes Plásticas de la Universidad Autónoma de Querétaro (UAQ), ha participado en proyectos de muralismo urbano con el grupo Nueve Arte Urbano, entre los que destacan trabajos realizados en la cúpula y paredes de la biblioteca “Manuel Gómez Morín”. Director durante la realización de la escultura monumental de chatarra de 4 metros de la Confederación de Trabajadores de México en Querétaro (CTM). Ha tenido dos exposiciones personales en la Galería Querétaro y el Museo de Arte del Estado. Actualmente dirige el taller de Dibujo y Pintura en la Universidad Cuauhtémoc Querétaro (UCQ). Entre sus proyectos más recientes se destacan su participación en el festival “Festejando el vino en Querétaro” y la exposición “Paz Urbana”.

En entrevista con la UCQ, el artista Diego Alejandro Cruz García invitó a los jóvenes a desarrollar sus talentos y remarcó la importancia de la perseverancia y la disciplina en la vida de cualquier profesionista.

Universidad Cuauhtémoc Querétaro (UCQ): ¿Cómo comenzaste a interesarte por el arte, hubo influencias de tu familia? ¿Cuál fue tu primer acercamiento al arte?

Diego Alejandro Cruz García (DACG): Yo soy originario de la Ciudad de México y viví allá 15 años. Lo que se ve mucho por allá en México es el grafiti, hay mucho por todos lados. Muy seguido se hacían exposiciones de grafiti a las cuales yo me acercaba a ver las técnicas y así fueron mis primeros acercamientos.

Recuerdo en algún momento haber visitado el Castillo de Chapultepec y ver las pinturas de grandes artistas y quedar atrapado por esa estética, sobretodo de retratos de reyes, de Maximiliano, de personajes de la Independencia, de la Revolución Mexicana muy bien plasmados. Fue doble influencia, por un lado el arte  urbano y por otro el arte más de academia.

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UCQ: Tengo entendido que te titulaste en Querétaro, ¿cómo fue el cambio?

DACG: El cambio fue una cuestión familiar. La ciudad de México es un mundo gigantesco y caótico y difícil, sobre todo para cuestiones de entrar al nivel medio superior es complicadísimo. En algún momento yo tenía pensado entrar a la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) o a la Academia San Carlos, a una de esas escuelas tan afamadas donde estudiaron los grandes maestros. Pero llegando aquí a Querétaro me di cuenta de que estaba la carrera de artes visuales y como anillo al dedo.

UCQ: ¿Cómo fueron tus primeros trabajos cuando saliste de la universidad? ¿Y cómo fue tu experiencia en ese trabajo?

DACG: Durante la carrera ya hacía trabajos de aerografía comercial en motocicletas, cascos, automóviles. Personalizarlos, ponerles dibujos y cosas muy comerciales. Pero ya profesional en el mundo del arte, yo trabajé en el museo de los conspiradores junto a varios artistas. Fue una experiencia muy bonita porque pusieron a prueba todos mis conocimientos que tenía de la universidad y el conocimiento personal que había adquirido antes.

Yo trabajé en dos salas, la segunda y la tercera, esas salas cuentan con mi mano. Sobre todo la parte de la sala tres donde está el escenario de la mesa conspiradora, toda la arquitectura fue mayormente hecha por mí, obviamente todos intervinieron, pero esa fue una encomendación personal que me hizo Gonzalo García.

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UCQ: ¿Qué opinas respecto a la postura que tienen muchos padres de “si estudias arte te vas a morir de hambre”?

DACG: Creo que cualquier a se muere de hambre si no es disciplinado. Cualquier actividad desde abogado, doctor, lo que sea, te piden que seas disciplinado, muy educado y consciente de que lo que haces lo haces para ganar un sustento, para ganar algo que te mantenga en condiciones de poder seguirte desarrollando.

Muchos confunden la riqueza con el bienestar, pero creo que el bienestar personal y mental es el clímax de una persona. No podría comparar artes plásticas con medicina, son cosas muy diferentes, pero creo que ambas requieren de tiempo extra para ser perfectibles ya que nunca van a ser perfectas. Yo siempre le digo a mis alumnos, aunque venga un maestro de Harvard, el mejor maestro del mundo, si tu no pones atención y no le pones empeño a lo que te están diciendo no vas a llegar a nada. El conocimiento está ahí, las herramientas están ahí, ya depende de ti el hacerlo o no hacerlo.

UCQ: Tú fuiste uno de los artistas que participó en la decoración del Centro Educativo y Cultural del Estado de Querétaro (CECEQ) Manuel Gómez Morín, ¿Qué nos puedes decir sobre el proyecto? ¿Cómo fue tu experiencia?

DACG: Yo pinté en la entrada, estuve dentro del festival se llamó “El agua es una” y el tema era sobre el agua y el cuidado de esta. La movilización de personas y de herramientas fue muy grande y fue una experiencia muy enriquecedora sobre todo por la convivencia con otros artistas, algunos venían de otros países, algunos venían de otros estados y podría llamarlo enriquecedora por el abanico tan grande de expresiones. Porque hubo pintores muy clásicos del grafiti hasta pintores muralistas más acercados a la pintura de caballete urbana.

Te das cuenta de que el arte urbano tiene un auge muy grande en estos días y lo comparo con hace diez, doce años, que yo lo veía en la ciudad de México y era considerado vandalismo. Creo que ha avanzado demasiado y fue muy enriquecedor, se da uno cuenta del poder que puede tener el arte sobre las personas, creo que el mayor avance es que la gente lo pueda ver en un lugar público, no necesariamente entrar a una galería, sino que estás dentro del espacio que es tu pasar diario y puedas apreciar algo tan bien hecho.

Todos los muros están hechos con una calidad excepcional y me siento orgulloso de haber participado. En este rollo de las artes tiene uno que siempre estar aprendiendo.

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UCQ: ¿Cuáles son los temas que más tratas en tus trabajos personales?

DACG: De mis dos exposiciones individuales que he tenido manejo mucho la temática de retratos de gente indigente. La estética que ellos tienen se me hace espectacular y atractiva, es sumamente imponente y dentro de la obra de grafiti estoy abierto a otros temas. En el festival me apegue a mitologías y personajes que influyen en el agua.

Mi principal fuerte es el retrato que puede ser adaptado a otras temáticas. Dentro del arte siempre va uno cambiando, entonces es difícil soy esto. Soy víctima de mi momento y de mi tiempo, de aquí a un año podría estar haciendo otras cosas.

UCQ: ¿Qué consejo le darías a los jóvenes que se interesan en el arte como carrera?

DACG: Principalmente que eliminen sus tabús, toda crítica, que si van a hacer algo que no piensen en lo que la gente dice sobre eso. Como cuando vas a ver una película y escuchaste tantos comentarios que vas predispuesto a que va a estar fea o chida o aburrida.

Dentro de esta frase de “Soñar no cuesta nada”, obviamente te va a costar mucho trabajo hacer algo que tu pienses que es grande pero si realmente tienes la convicción hazlo. Atrévete a hacerlo y el peor error es no hacerlo porque realmente no estás poniendo una piedra en la cual apoyarte para el siguiente paso. Si vas a empezar por algo pequeño hazlo, si vas a empezar por algo  mediano, difícil, hazlo. No te preocupes si no te salió a la primera, aprende de lo que salió mal. Tienes que ser muy terco.

UCQ: Hay una concepción sobre el arte, muchos creen que si no se nace con talento no es posible hacer una carrera en el arte, ¿qué opinas al respecto?

DACG: Creo que lo podrías resumir en uno por ciento de talento, noventa y nueve por ciento de trabajo. Cualquiera de nosotros puede tener un talento en cualquier cosa, a lo mejor hasta una habilidad minúscula, pero si la pules y la practicas puedes generar algo más grande. Si tienes el talento y lo prácticas se te puede hacer más fácil, y si tú piensas que no tienes el talento tienes que escarbarle hasta topar con pared y saber que no es lo tuyo pero exprimir todas las posibilidades de que tu quieres aprender algo y tú te vas a dar cuenta de si es lo tuyo o no es lo tuyo.

Todos tienen algún talento, pero se ponen muchas barreras y no quieren descubrirlo o entregarse a la actividad.

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Diego Alejandro Cruz García

diegoalejanfro@hotmail.com

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